Stefan Sagmeister

Stefan Sagmeister .. Nace en Voralberg Austria, es diseñador grafico, 

Me llama la atención la manera en la que juega con fotografías de rostros, añadiendo tipografías, textura, color, en algunas imágenes se puede decir que juega con la naturaleza. 

Steve McCurry

Steven McCurry..
Es  un fotografo de Pennsylvania, es uno de los mejores fotógrafos del mundo,  es conocido por la fotografía de "La niña afgana".
Me llama mucho la atención por las fotos que toma sobre los rostros, son tan expresivos que te hacen sentir  algo.

Una nueva generación de estilos nacionales: Suiza, Italia, y Polonia

Aspectos del Estilo Suizo y el ingenio Americano.

*Principales  exponentes: Martin Shrp, Derek BirdSall, Alan Cracknell, John Blackburn, David Bailey, Alan Aldridge, John kinner.

ALEMANIA

*Tras la segunda guerra mundial el país se desintegra y ocurre un gran oscurecimiento en lo que el arte y cultura se refiere.

*Tres diseñadores de la  transición, generación entre los que perdieron la guerra y los que nacieron alrededor de ella, fueron diseñadores creados en otros países.

*Revista Twen, gran referente en lo que a diseño alean se refiere.

*Ottl Aicher renueva el concepto metodologico de la imagen, dotandolo de una mayor profundidad. su proyecto mas divulgado fue la organización del material gráfico de los juegos olímpicos de Munich en 1972.

*En el diseño tipográfico, Alemania mantiene un perfil muy bajo, mostrando mucha dirección.

*principles exponentes : lucian Bernhard, Hans Hillman, Heinz Edelmann, Willy Fleckhaus, Oh Aicher, John Heartfield,

Gerhard Linemeyer, Holger Matthies.

ITALIA

*La adaptabilidad del diseño italiano, logro que esta área no viera afectado su desarrollo o crecimiento, incluso después de la segunda guerra mundial, o en el transcurso de esta.

*el empresario Antonio Boggeri, creo un grupo que renovó radicalmente la grafica comercial italiana. Con esto nació un estilo basado y peculiar del sur de Europa.

* La empresa ilustrada tuvo desde los años treinta un protagonismo agresivo y progresista de la mano de Adriano Olivetti,. A toda esta corriente que iniciaba, y que vio como plataforma mercantil a la trienal de Milan, se le denomino Desing que se encargo de invadir el mercado en las décadas de los setenta.

*A pesar de basarse en la sistematica suiza, el diseño gráfico italiano quiso utilizar la técnica, tomando mas riesgos en algunas ocasiones, para dotarlo de mas calidez y brillo. al querer dotar las obras de un mayor sentimiento, el diseño gráfico italiano desarrolla su personalidad propia.

* La revista de arquitectura representaron un excelente campo para la divulgación del diseño industrial y gráfico.

*Franco Maria Ricci contribuye, en gran medida, a mantener la grafica editorial italiana en un privilegiado nivel con sus ciudades y esotéricas ediciones de libros y revistas.

*En el plano tipografico, sobresale Aldo Novares y el diseño de su extraño alfabeto "stop",. Que, según sus palabras, lograba sintetizar y disipar las pequeñas fallas o detalles que presentaban otras familias tipográficas.

*Principales exponentes: Marcelo Nizzoli, Enzo Mari, Bruno Munari, Franco Maria Ricci, Armando Testa, francesco Sarogoloia, Aldo Manuzio.

POLONIA

*El colectivo polaco, a través de sus trabajos ha demostrado con creces amar la profesión; mas que cualquier otra escuela Europea.

*El cartel polaco caracteriza justamente el tratamiento de sus obras por un impulso colectivo pasional.

*Roman Cieslewicz, el maximo representante del diseño polaco; posee la capacidad de aguantar cualquier tipo de tendencia con una gran habilidad sintactica

*Principales exponentes: Henrik Berlew, Henryk Tomaszewski, Jan Lenica, Roman Cieslewicz, Tadeusz Trekowski, Jan Jaromie, Jerziy Czeniawski.

Estilo Suizo

·      *Tras la segunda guerra mundial, algunos países que habían pasado desapercibidos para el diseño grafico llegaron a implementar modelos de diseño que los ayudaron a mantener una posición respetable en el campo.

·      *El hecho de mantenerse al margen de ambas guerras mundiales ayudo a suiza a presentar un desarrollo económico y social estable, en el ámbito del diseño le dio un nuevo uso a los movimientosculturales vanguardistas. Interrumpidos con el acceso de Hitler (misma que ruptura la estructura de la bauhaus)

·      *Los mas importantes diseñadores del diseño suizo eran de formación extranjera.

·      *De nueva cuenta el cartel juega un papel importante en el desarrollo del diseño grafico suizo, gozando nuevas técnicas   usando una recién tipográfica. Las escuelas del Zurich y Basilea jugaron un papel importante en el desarrollo del nuevo estilo.

·      *Sin embargo a pesar del desarrollo del diseño y la estabilidad suiza lo que marca un hito y representa un impulso definitivo en el diseño grafico es la creación de la tipográfia Helvetica.

·      *Los años 50`s  fueron la década de la recusación tipográfica y la helvética fue el pasaporte internacional del diseño grafico suizo. Siendo el mas utilizado en anuncios y diseños.

·      *Con los resultados pedagógicos de las escuelas de diseño y la nueva tipográfia los jóvenes diseñadores suizos se lanzaron a la conquista del mundo. Pero previamente se establecieron en Paris, New york, e Italia, aunque fue en la ciudad luz donde por medio de algunas revistas de diseño suizo adquirio mayor renombre. También cabe de destacar la población grafix que ayudo a la presentación del estilo.

·      *Principales exponentes eran :

Ernst Keller, Wolfensberger, Max Bill, Hans Finsler, Herbet Matter, Josef Muller, Brockmanm, Helbert Leupin, Max Miedinger, Peter Knapp, Max huber, Walter Amstut

La Formación del estilo nacional, objetivo histórico de Francia, Inglaterra y Alemania.

*El estilo como lenguaje característico de una época o país, surge a través de sustancias ideológicas, culturales, tecnológicos o políticos que prevalecen en un sitio concreto en un determinado momento.

*El estilo o diseño europeo surge como valor de uso y cambio ante el monopolio americano.

*Francia creó escuela a través del diseño de carteles, las revistas femeninas de mayor circulación ayudaron a divulgar sus trabajos.

*Ilustradores y cartelistas franceses posesionan el diseño en el mercado publicitario internacional.

*El parentesis en Europa, que surgió tras las sucesivas crisis económicas originadas por el alza del dolar y el precio del petróleo, influyo en el estacionamiento creativo.

*Una agencia francesa (Delpire) se asocio con la suiza aduico, en un intento  por combatir  a la publicidad americana.

*La fuerza del cartel parece extinguirse, debido a que su campo de exhibición natural, la calle, se esta monopolizando por vallas y espectaculares al servicio del sector comercial multinacional.

*En el campo del diseño tipográfico, los años cincuenta están marcados por un renacimiento del grafismo latino; dotante  los alfabetos de muchos ornamentos.

*El desvanecimiento de las agencias de publicidad francesas se deriva de la competencia americana y de una manera sigular de hacer publicidad de television. Ademas de que mucho diseñador extranjero trabajaba en publicaciones francesas.

*Principales exponentes: Jules Ceret, henri de Toulouse Lautrec, Jean Marie MOuron (Cassandre) , Raymond Savignac, Maurice Sine, Robert Delpire, Roland Topor, Jean Paul Goude, Jean Michel Folon, Guy Bourdin, Andre Francois, Frncois Ganeau, Roger Excoffon.

Inglaterra

Diseño Ingles destaca en el campo de la señalización, vial y subterránea, sin embargo a nivel general, es de una tal coherencia que es difícil de individualizar.

*El respeto y lo educativo que se veía en las obras inglesas, súbitamente desapareció del primer plano, al verse desplazados por una ola de vitalidad.

*Este movimiento nació y se fortaleció por el grupo musical de los Beatles y todo lo que transmitían.

*Fue un fenómeno mercadologico inmenso que aporto una gran cantidad de divisas a las arcas Inglesas.

*No nació un  estilo nuevo de diseño, simplemente se retomo un estilo nuevo de diseño, simplemente se retomo un estilo victoriano y se maquillo con colores de la cultura PoP y una ligera dosis de sana ironía.

*En el ambito del diseño editorial, algunas publicaciones inglesas, gracias a la labor de sus directores artísticos; se posicionaron de manera exitosa en el mercado. También hay que añadir que incluso los libros del bolsillo penguin se vieron alcanzados por esta nueva ola.

*Película de dibujos animados de "Yellow Submarine" éxito rotundo.

*Señalización vial se renovo, pero jamas dejo de tener critica favorable.

*El diseño gráfico de imagen de identidad corporativa y publicitario, también tuvo su apogeo al sintetizar los mejores.

La Consolidación del Estilo Americano

* Circunstancias derivadas de la segunda guerra mundial, ademas de aportaciones individuales y colectivas de profesionales, tanto nacionales como extranjeras; se conjugaron favorablemente para llevar a Estados Unidos a convertirse en la primera potencia mundial del diseño gráfico.

* En la decada de los setenta los mayores agencias de publicidad se convirtieron en empresas multinacionales al servicio de los enormes consorcios americanos.

* A la par de este movimiento surgió un nuevo giro de agencia media llamada boutique creativa,  que ofrecía una rápida capacidad de maniobra ademas de tener el atrevimiento de aceptar campañas que las grandes agencias no hacían por temor a ver afectada su reputación.

*Las primeras formulas que fueron exitosas para dar a conocer algunos productos, fue el uso de grandes imágenes y el nombre del producto el slogan en letras mas pequeñas.

*La agencia que representa el apice dela escuela americana de Boutiques creativas fue DoyleDane Becnbach, es de esta agencia donde surge el concepto del punto anterior; ellos hicieron famosa y exitosa esta formula.

* En la publicidad impresa, la oportunidad de los ochenta residió en el grafismo.

*Al margen del emporio de la publicidad que emplea a  varios profesionales; los diseñadores gráficos de prestigio se formaron ejerciendo como independientes.

*Entre los revolucionarios o visionarios del diseño gráfico mas destacados podemos renombrar a David Ogilvy, Leo Burnett, Jay Chiat, Lou Dorfsman, William Fiolden, George Lois, Saul Bass, Herbert Lubalin, Milton Glasic.

*Los diseñadores amantes del dibujo constituyeron una alternativa a un sector encasillado en el uso y abuso de la fotografia.

*El conjunto de Diseñadores Artesanales mas relevante fue el de Push Pin Studios, taller de diseño e ilustracion que se expreso en todos los campus de la demanda gráfica.

*Milton Glaser fue de sus principales exponentes, dandole nueva dimension a  la publicidad en carteles. A el debemos el famoso logo de "I LOVE NY".

*El diseño de revistas fue influenciado por los empresionarios americanos, para hacerlo un producto de consumo de masas con un nivel de exigencia estética elevado.

*Una larga lista de profesionales han situado la fotografía comercial y periodística de Estados Unidos a la cabeza del ranking.

*A través de los años y la visión de los diseñadores, las tendencias en los diseñadores fueron cambiando, pero se mantuvo siempre la constante de innovar, y lograr sorprender al consumidor.

*Ya sea con el uso de las letras, fotografías o dibujos los diferentes exponentes del diseño norteamericano lograron sentar las bases para lo que es el diseño en la actualidad.

*El diseño editorial se hizo imprescindible para dotar a los libros, revistas o cualquier otro tipo de material de lectura; atractivo a lectores

Corre lola corre..

La historia se produce en las calles de Berlin Faltan veinte minutos para el mediodía y lola  recibe una llamada telefónica de su novio manni, el chico extravió los 100 mil marcos que tenía que entregarle a un gángster y está decidido a asaltar un supermercado para volver a reunirlos. La cita con el mafioso es a las doce en punto. Lola tiene veinte minutos para idear la solución. O cuanto menos, para llegar a aquella esquina y abortar aquel atraco en el que, dicho sea de paso, Manni lleva todas las de perder.

Corre... es absolutamente minimal. No llega a ser la historia de una chica que corre, ya que poco y nada llegará a saberse de ella. Antes bien, se postula como un deslumbrante ejercicio de estilo –de montaje y ritmos– con una módica parábola como telón de fondo. En la segunda carrera, el dueño del perro le pone una zancadilla a lola, lastimandole su pierna y hacerla correr mas lento, causa un accidente en coche que implica al colega de su padre. Lola llega minutos mas tardes debido a su cojera, llega al banco lo cual de dio tiempo a la amante de su padre para decirle que esta embarazada de alguien mas, al escuchar esto lola se enfada y asalta el banco de su padre, tomando la pistola del oficial de seguridad, y se fuga la policia la confunde con una rehen que escapo, lola llama a manni para decirle que ya tenia el dinero y verse en algun lugar, pero al cruzar la calle para encontrarse con lola, es atropellado por una ambulancia(pasan escenas pasadas, que vivieron los dos).legará a saberse de ella. Antes bien, se postula como un deslumbrante ejercicio de estilo –de montaje y ritmos– con una módica parábola como telón de fondo. En la segunda carrera, el dueño del perro le pone una zancadilla a lola, lastimandole su pierna y hacerla correr mas lento, causa un accidente en coche que implica al colega de su padre. Lola llega minutos mas tardes debido a su cojera, llega al banco lo cual de dio tiempo a la amante de su padre para decirle que esta embarazada de alguien mas, al escuchar esto lola se enfada y asalta el banco de su padre, tomando la pistola del oficial de seguridad, y se fuga la policia la confunde con una rehen que escapo, lola llama a manni para decirle que ya tenia el dinero y verse en algun lugar, pero al cruzar la calle para encontrarse con lola, es atropellado por una ambulancia(pasan escenas pasadas, que vivieron los dos). En la tercera carrera ... Lola salta sobre el perro, ya no se implica en ningun accidente. Entra en un casino compra una moneda de 100 marcos que la apuesta en la ruleta, gana dos rondas apostandole al numero 20, la cual gana dos rondas seguidas y tiene ganados 129600 marcos, suficiente dienro para ayudar a manni. El ve al primer hombre que tomo su dinero y lo persigue, sin querer causa un accidente donde el padre de loala y su socio mueren en el. Manni recupera su dinero y sale una escena donde manni se encuentra con el  jefe de manni saliendo de su carro, donde ya habia entregado el dinero. Manni le pregunta a lola que trae en su bolsa. 

Esta imagen la puedo clasificar como perteneciente a la tendencia del postmodernismo, ya que la composición y la manera en la que están colocadas las imágenes nos hace pensar que se trata de un cuadro abstracto, los elementos que componen la imagen están superpuestos de una manera que no llevan un orden o una secuencia lógica. Los colores empleados, su combinación hace que la imagen posea un impacto visual considerable, sin embargo, con esto logra destacar lo heterogéneos que son  sus componentes dando como resultado una inestabilidad en el cuadro, si se le puede llamar de esta manera. El hecho de colocar la Torre Eiffel es únicamente porque me gusta mucho Francia, y que mejor monumento para representar al país galo que esta gran obra. La imagen de la motocicleta la utilice porque disfruto mucho el motociclismo y con el efecto que se crea por los elementos que están debajo de ella, pareciera que esta sobre una pista o carretera.

Posmodernidad

Posmodernidad es el término que se utiliza para designar a la amplia gama de movimientos, culturales, artísticos, filosóficos y literarios que surgieron en el siglo pasado, más precisamente entre las décadas del setenta y el ochenta con el claro objetivo de oponerse a lo imperante: el movimiento moderno y por supuesto, también, superarlo. Si bien las corrientes que promovieron el movimiento posmoderno resultan ser diversas como mencionamos, la mayoría de ellas sí comparten la idea central que sustenta a cada una y que es lisa y llanamente que el movimiento moderno demostró ser un auténtico fracaso en sus intenciones de renovar ámbitos como el arte, la cultura, la filosofía y lo social.
La novedad que nos trae este llamado movimiento de la posmodernidad es la reestructuración desde la raíz de todas aquellas formas tradicionales que imperaban en todos aquellos focos mencionados. La posmodernidad presta una excesiva atención a las formas y en cierta manera resulta difícil definirla porque no presenta una ideología formal y ni siquiera un marcado compromiso social.

Posmodernismo

¿Cuándo surge?

Surge a finales de los 70 principios de los 80`s.

En Italia, se presenta oficialmente el 11 de diciembre del 81.

¿Por qué surge?

Para formar un grupo de diseño colaborativo se llamo Memphis después de la canción de Bon Dylan.

¿Qué vanguardias inspira al grupo de diseñadores?

Influencias clásicas del KTSCH , del NEO POP y el gran uso del color

Variedad. Tonalidades alternativas.

¿Qué es diseño?

Concepto del diseño de Memphis se basa en una mezcla de estilos, colores y materiales del siglo XX.

¿Qué es arte?

Es el uso de la habilidad y la imaginación, para crear objetos, experiencias con fin de lograr el placer estético en el observador al ver una obra de arte se siente conmovido por ella.

¿Qué es posmoderno?

Se resume como híbrido del diseño, dado al proceso de creación de formas extraídas de un concepto temporal y contemporáneo que se combina al azar y resulta el diseño.

¿Qué otras estéticas integran el diseño contemporáneo?

Transvanguardia

Neoexpresismo

Figuración libre

Neo Pop

Super flat

Movimiento de Memphis

El Grupo Memphis fue un movimiento de arquitectura y diseño industrial muy influenciador de los años 1980s. El grupo fue fundado por Ettore Sottsass en diciembre de 1980, y se resolvió que los integrantes se reunirían otra vez con sus diseños en febrero de 1981 El resultado fue un debut altamente aclamado en el "Salone del Mobile" en Milán, la feria de mobiliario más prestigiosa del mundo. El grupo, que contó eventualmente con Michele de Lucchi, Matteo Thun, Javier Mariscal, Marco Zanini, Aldo Cibic, Andrea Branzi, Barbara Radice, Martine Bedin, George J. Sowden yNathalie du Pasquier, se disolvió en 1988. El movimiento era una reacción contra los diseños "caja negra" post-Bauhaus de los 1970s. Memphis ofreció piezas brillantes, coloridas e impactantes. La palabra Buen Gusto no se asociaba normalmente con los productos de Memphis. Esto hacía sugerir que el diseño de Memphis era muy superficial, aunque el grupo intentó desarrollar una nueva y creativa aproximación al diseño.

Se poscicionó más como una moda que como movimiento académico y esperaba borrar el International Style donde el Posmodernismo había fallado, prefiriendo más un renacimiento y continuación absoluta del Modernismo. Estaban en desacuerdo con ajustarse a la época y desafiaron la idea de que los productos debían seguir formas, colores y texturas convencionales.

Neo Pop Art

El neo-pop es un movimiento artístico que data de los ochenta del siglo XX. Al contrario de lo que se cree habitualmente, el neo-pop n

o es solo una versión actualizada del movimiento artístico pop-art que se dio en los años sesenta y setenta. Aunque las bases son muy parecidas en muchos casos, principalmente el uso de imágenes de la cultura popular y de los medios de comunicación de masas, lo cierto es que el neo-pop va mucho más allá. Debido a la disponibilidad de imágenes mediáticas desde el pop-art ha crecido exponencialmente, también lo ha hecho las maneras de usarlas. No sólo hay más fuentes, sino que el arte en general ha cambiado mucho en estos treinta años, y actualmente todo es posible. No sólo los nuevos materiales aplicados, sino también la combinación de imágenes de diferentes periodos de la historia.

Todos los artistas neo-pop tienen en común el asumir la iconografía de la historieta, los dibujos animados, los medios de comunicación de masas o los anuncios publicitarios.

Pop Art

Es un movimiento artístico, surgido al final de los años cincuenta en Inglaterra y caracterizado por el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas y aplicados al arte de la pintura. El término fue utilizado por primera ver por el crítico británico Lawrence Alloway en 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo, utilizando imágenes populares dentro del arte. Puede afirmarse que el pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (pop), caracterizado por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en un objeto más de consumo.

Los orígenes del Pop se encuentran en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto, sin embargo el pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte de Dadá y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana al igual que Duchamp había hecho con sus ready- mades. En cuanto a las técnicas también toma del dadaísmo el uso del collage y del fotomontaje.

Los temas, formas y los medios del Pop Art muestran los rasgos esenciales que asociamos con el ambiente cultural de los años sesenta y el estado de ánimo de la gente.

Futurismo

El Futurismo es un movimiento artístico que surge en Italia en la primera década del siglo XX. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.

La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido.

De todos modos el futurismo fue, buena o mala, una escuela de polémica y de moral; y si usó con eficacia la técnica publicitaria, admitiéndola de golpe en la expresión artística, lo hizo con una finalidad básicamente pedagógica. Pero ello no impidió a los futuristas transformar, con el tiempo, los temas iniciales de la máquina, la velocidad, la técnica en exaltación de la violencia, del imperialismo, de la guerra, «higiene del mundo», y, por lo menos con Marinetti, del fascismo.

Postimpresionismo

El postimpresionismo es un término histórico – artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX. Varios artistas partiendo del impresionismo derivan hacia una pintura personal, teniendo como principales características la recuperación de la importancia del dibujo y la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas.

El Postimpresionismo es importante en la historia del arte porque abre con sus innovadoras propuestas el camino de la renovación pictórica que trajeron los movimientos artísticos de vanguardia.

Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

Van Gogh fue un representante directo del postimpresionismo en donde las sombras eran colores frío y los colores cálidos eran luz.

Con el postimpresionismo se creó un nuevo tipo de artista, el genio individual que vive de su arte, la personalidad creadora que plasma su psicología en el cuadro, gracias a su trazo singular, al color personal, y a la recuperación de las formas y las estructuras, pero con una nueva lectura. El color se hace representativo y subjetivo, no objetivo. Se representa el color con que se ve el alma de las cosas. La realidad se interpreta según la visión personal del genio creador.

Impresionismo

El Impresionismo es un movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que apareció como reacción contra el arte académico. El movimiento impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo. Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos.

Las figuras principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pisarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley. Los artistas del impresionismo dedicaban un largo período de tiempo al estudio de la técnica pictórica; se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra. La plasmación de la luz era trascendental para ellos, ya que creían que los objetos sólo se veían en la medida que la luz incidía. La coloración de las sombras era otro aspecto importante en el impresionismo, así como la repetición de tema con cambios de matices de iluminación, como única diferencia.

Los impresionistas evolucionaron hacia distintos estilos individuales y compartieron como grupo sus experimentos sobre el color. Sólo Monet fue ortodoxo en la aplicación de la teoría impresionista. El impresionismo ejerció una fuerte influencia durante décadas. Artistas que partieron del impresionismo idearon otras técnicas e iniciaron nuevos movimientos artísticos.

Cubismo

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.
George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.

Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. Su fórmula era la forma-color. Él cree que la naturaleza no se dibuja, sino que se manifiesta a través del color. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes, de formas. Y una vez creadas, hay que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el problema de los planos, que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista.
El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. 

Wassily Kandinski, Nació en Moscú en 1866. Estudio Leyes en Moscú. En 1896 rechazo un puesto docente en la Universidad de Dorpat para estudiar Arte en Múnich.

Fundo un grupo llamado Phalanx, cuyo propósito principal es introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo cual abre una escuela en la que da clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo son paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauve; también pintó temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana; este período está marcado por la experimentación técnica, en particular, en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.

En 1902 expone por primera vez con la Secession de Berlín y realiza sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja porItalia, Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expone en el Salón de Otoño de París.

Expresionismo

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.
El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.

La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos. 

Fauvismo

Es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es mas expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores.

El artista Fauve implanta una comunión con la naturaleza uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. Otra de sus características es el gusto por  el arte africano-negro.

Su estilo pictórico utiliza colores fuertes, contrastados, sobresaliendo el cromatismo irreal, es decir, utiliza colores que en la realidad no existen. 

Tendencias de Diseño

Las tendencias, son una serie de grupos de un cierto estilo, estilísticos, que el diseño en si va adoptando. Se encuentran en contínua evolución y marcan el estilo de los diseños y futuras creaciones.

¿Qué es el Diseño?

Es un proceso intuitivo, racional y operativo de creación de formas útiles al hombre ya sean estas destinadas a cumplir funciones de vida urbana, habitabilidad, operaciones y táctiles o de comunicación visual. Es una practica en la que se forjan y determinan ideas y formas que han de materializarse posteriormente mediante procedimientos manuales o mecánicos.

El diseño implica plasmar el pensamiento a través de esbozos, dibujos, bocetos y esquemas trazados en cualquier soporte. El acto de diseñar puede ser considerado como creatividad, innovación o una modificación de algo ya existente.